În februarie 2026, iarna din Seoul este deosebit de rece și uscată. În acea atmosferă aridă, când deschidem ușa Perrotin Seoul, ne confruntăm cu un zid gigantic de tăcere. Zidul este de culoare neagră. Dar nu este o simplă nuanță de negru. Este un strat de timp creat din mii, zeci de mii de mișcări ale mâinii, un semn al luptei disperate care a avut loc în procesul de reducere a limbajului (Language) la materie (Matter). În septembrie 2025, la vârsta de 82 de ani, a decedat maestrul artei experimentale coreene, Choi Byung-so. Această expoziție 《Untitled》 (20 ianuarie 2026 - 7 martie 2026) se desfășoară la patru luni după moartea sa și depășește dimensiunea unei simple retrospective. Este un monumental requiem care demonstrează cum estetica 'ștergerii' (Erasing) pe care un artist a dedicat-o întreaga sa viață a reușit să calmeze zgomotul vremurilor și să ajungă la esența artei, și mai departe, la sursa existenței umane.
Arta lui Choi Byung-so este legată de specificitatea istoriei moderne coreene încă din alegerea materialelor. În anii 1970, pânza și vopseaua în ulei erau aproape un lux pentru un tânăr artist sărăcit. În schimb, el a acordat atenție materialelor cele mai comune din jurul nostru, adică hârtiei de ziar și stilourilor ieftine. În special, 'stiloul Monami 153', pe care l-a folosit toată viața, este un instrument de scris care a fost produs din 1963 și a fost parte din viața cotidiană a coreenilor. Artistul a realizat o încercare subversivă de a produce o valoare nobilă numită 'artă' folosind acest instrument popular și accesibil.
Materialul de bază al lucrărilor sale, 'hârtia de ziar' sau 'hârtia de tip', simbolizează tehnologia precară a hârtiei din perioada de reconstrucție de după anii 1950. Hârtia de tip, cu suprafața sa aspră și culoarea galbenă, are o consistență fragilă, care se rupe și se destramă ușor doar prin scriere. Amintirile legate de această hârtie de tip, folosită ca manual în copilărie, au devenit o traumă profundă și o sursă de inspirație pentru artist. El a sublimat limita fizică a hârtiei care se rupe, adică starea imediat înainte de colapsul materiei, în limbajul artistic.
Procesul de lucru al lui Choi Byung-so necesită muncă fizică intensă. El începe prin a trasa linii cu stiloul pe hârtia de ziar. Desenează dens până când textul devine invizibil. Cerneala stiloului pătrunde între fibrele hârtiei, iar căldura prin frecare subțiază hârtia, provocându-i ruperea în anumite locuri. Apoi, aplică din nou grafitul unui creion 4B.
Prin acest proces, hârtia de ziar nu mai este hârtie, ci se transformă într-o suprafață metalică care absoarbe strălucirea grafitului. Lucrările mari care umplu sălile de expoziție de la etajele 1 și 2 ale Perrotin Seoul arată o textură asemănătoare cu cea a unei plăci de oțel negre sau a unei pieli vechi. Aceasta este o a treia substanță născută din combinația chimică a cernelei, grafitului și transpirației artistului. Fragilitatea hârtiei dispare, iar doar consistența solidă a materialității ca rezultat al muncii rămâne. Vizitatorii experimentează aici o densitate vizuală copleșitoare și sublimitate.
Pentru a înțelege rădăcinile artistice ale lui Choi Byung-so, trebuie să examinăm cu atenție contextul temporal și spațial al anilor 1970 în 'Daegu'. La acea vreme, Daegu era un mecanism al artei experimentale care s-a opus sistemului național de expoziții (Exhibiția de Artă Coreeană) centrat pe Seoul și atmosferei conservatoare a lumii artistice. Choi Byung-so a fost membru fondator și o figură cheie a primei expoziții de artă contemporană din Coreea, 《Festivalul de Artă Contemporană Daegu》, înființată în 1974.
În 1975, el a fondat împreună cu Kang Ho-eun, Kim Gi-dong, Lee Myung-mi și alții grupul de artă avangardist '35/128', care se referă la latitudinea (35 de grade) și longitudinea (128 de grade) din Daegu. Acest grup a condus experimente conceptuale care au distrus autoritatea și formalismul din arta existentă, afirmând că „arta poate exista și fără a fi desenată”. În această perioadă, Choi Byung-so a fost în fruntea avangardei coreene, navigând între diverse medii precum video, instalație și happening. Aceasta a fost o expresie a spiritului vremii, formată în interacțiune cu alți artiști de artă experimentală din acea vreme, precum Kim Ku-rim, Lee Kang-soo și Park Hyun-ki, și a fost un proces de construire a unei identități unice a artei experimentale coreene, distinctă de minimalismul occidental sau Mono-ha din Japonia.
În mijlocul anilor 1970, decizia lui Choi Byung-so de a începe lucrările cu hârtia de ziar nu este străină de situația politică sumbră de atunci. Sub regimul dictatorial al lui Yushin, presa a fost complet controlată, iar ziarele au publicat doar adevăruri cenzurate. Într-o epocă în care funcția presei era paralizată, ziarul nu mai era un mediu de transmitere a informațiilor, ci doar o acumulare de texte înșelătoare.
Choi Byung-so
Pentru Choi Byung-so, care avea atunci 30 de ani, actul de a zdrobi și șterge articolele de ziar cu stiloul era o exprimare a furiei față de cuvintele reprimate, o formă pasivă dar puternică de rezistență împotriva tiparului fals. Unii critici interpretează acest lucru ca o „rezistență la represiunea presei”. Cu toate acestea, artistul a extins ulterior acest act dincolo de un act politic, la o dimensiune de 'auto-disciplină'. Cuvintele sale, „nu este vorba despre a șterge ziarul, ci despre a mă șterge pe mine”, arată cum durerea vremurilor a fost transformată în interiorul personal printr-o practică artistică.
Aceste activități timpurii ale lui Choi Byung-so au fost umbrite mult timp de fervoarea Dansaekhwa (arta monocromă). Totuși, expoziția 《Arta Experimentală Coreeană 1960-70 (Only the Young: Experimental Art in Korea, 1960s–1970s)》, organizată în 2023 de Muzeul Național de Artă Modernă și Muzeul Solomon R. Guggenheim, a fost un moment decisiv care l-a repoziționat pe el ca un artist major al artei experimentale coreene. Această expoziție a adus în atenția internațională faptul că lucrările lui Choi Byung-so nu sunt doar picturi plane, ci 'arta acțiunii conceptuale' născută în contextul politic și social în rapidă schimbare al Coreei. Expoziția de la Perrotin Seoul este prima sa expoziție personală după această reevaluare internațională și prima expoziție după moartea artistului, ceea ce o face un moment important pentru consolidarea statutului său în istoria artei.
Un aspect deosebit de notat al acestei expoziții de la Perrotin este că artistul a prezentat o serie de lucrări în care a lăsat intenționat anumite părți sau forme neșterse, pe lângă metoda sa obișnuită de a șterge complet suprafața hârtiei de ziar. Aceasta sugerează că actul său de 'ștergere' nu este o distrugere aleatorie, ci o alegere formală extrem de calculată și o întrebare filozofică.
Unele dintre lucrările expuse au lăsat partea superioară a ziarului, adică antetul (Title), data și numărul de publicație, neșterse. Articolul de bază de mai jos este complet acoperit cu cerneală neagră și grafit, astfel încât conținutul să nu poată fi cunoscut, dar data și antetul de sus rămân clare.
Această compunere ancorează lucrarea într-un timp și spațiu concret.
Specificitate: Dacă ziarul complet șters este o 'substanță' abstractă, ziarul cu data lăsată devine o dovadă concretă a istoriei, cum ar fi '19xx, luna x, ziua x'.
Revocarea memoriei: Vizitatorul, văzând data lăsată, își va aminti de evenimentele din acea zi sau de amintiri personale. Cu toate acestea, conținutul articolului care ar putea dovedi acea memorie este șters. Tensiunea dintre memorie (persistență) și uitare (dispariție) maximizează drama lucrării.
Aceasta nu este o nihilism care afirmă că „totul dispare”, ci o confirmare existențială că „cu toate acestea, timpul este înregistrat”.
Expoziția include și lucrări care au lăsat forme precum cercuri. Spațiul circular lăsat intenționat în mijlocul acțiunii de trasare densă a liniilor oferă o fereastră de respirație pe fundalul negru.
Ritmul formal: În repetarea obsesivă a liniilor verticale și orizontale, curba organică a cercului oferă o pauză vizuală.
Semnificația simbolică: Cercul poate evoca 'iluzia unitară' din budism și poate simboliza luna (Moon) sau universul. De asemenea, poate fi interpretat ca o fereastră (Window) care privește spre o lume închisă (ziarul vopsit în negru).
Prezența absenței: Spațiul lăsat neșters este un dispozitiv paradoxal care accentuează actul de 'ștergere'. Dacă partea vopsită este 'rezultatul acțiunii', partea lăsată dezvăluie materialitatea originală a hârtiei prin 'absența acțiunii'.
Artistul a lucrat și cu pagini din reviste celebre precum The New York Times, TIME, LIFE. Aici, de asemenea, a ales să nu șteargă cuvintele 'TIME' sau 'LIFE'.
Aceasta este o ironie și o perspicacitate unică a lui Choi Byung-so, care transformă antetele banale ale mass-media în întrebări filozofice fundamentale despre existența umană. Prin ștergerea fluxului de informații (conținutul revistei TIME/LIFE), el pune paradoxal întrebarea despre adevărata semnificație a 'timpului' și 'vieții' pe care le-am pierdut.
Cea mai rară și șocantă lucrare din această expoziție este 'lucrarea albă' 〈Untitled 0241029〉(2024). Dacă lucrările anterioare umpleau suprafața cu cerneală neagră și grafit, această lucrare a fost realizată cu un stilou gol (Empty Pen) fără cerneală.
Artistul a trasat cu un stilou care nu mai avea cerneală pe hârtia de ziar. Deși există mii de acțiuni de trasare, rezultatul, culoarea (Color), nu există. Ceea ce rămâne pe pagină sunt urmele (Trace) lăsate de mina stiloului, rănile (Scar) hârtiei rupte și slăbite, și mici denivelări.
Aceasta este o stare în care chiar și actul de 'ștergere' a fost șters, sau în care condiția minimă a picturii, 'pigmentul', a fost eliminată. Rămâne doar acțiunea pură (Action) și transformarea fizică rezultată. Această lucrare albă poate fi considerată destinația finală a artei lui Choi Byung-so. Prin eliminarea elementului vizual al culorii, vizitatorul se poate concentra pe textura hârtiei și reflexia luminii. Aceasta este concretizarea vizuală a lumii 'non' (無) pe care el a căutat-o toată viața.
Această lume a lucrărilor lui Choi Byung-so este profund conectată cu gândirea fenomenologică a lui Maurice Merleau-Ponty, în care el a fost profund absorbit. În 1998, a împrumutat titlul lucrării sale din cartea lui Ponty, 『Sens și Non-Sens』.
Așa cum Merleau-Ponty a criticat logica centrată pe rațiune și a subliniat importanța percepției corporale, Choi Byung-so a deconstruit lumea logică a ziarului, dominată de limbaj (Logos), printr-un act ilogic de muncă fizică (trasarea cu stiloul). Lucrările sale, în care a zgâriat colțurile cărții 『Sens și Non-Sens』 până au devenit deteriorate, simbolizează această filozofie. Prin distrugerea fizică a unei surse de cunoștințe, cartea, el reduce semnificația textuală conținută în ea la non-sens (materie), generând în același timp o nouă semnificație artistică prin actul în sine, un proces dialectic.
În 2026, trăim într-o eră în care AI generativ produce texte și imagini fără limite, iar știrile false și suprasaturarea informațională au devenit o normă. Toate informațiile sunt transformate în coduri digitale, consumate și dispărute cu viteza luminii. În acest context, ziarele rupte și găurite lăsate de regretatul Choi Byung-so ne pun întrebări profunde.
Lucrările sale expuse în sala de expoziție de la Perrotin Seoul sunt, paradoxal, cele mai puternice 'mărturii ale materiei'. Spre deosebire de iluzia ascunsă în spatele suprafeței netede a ecranelor digitale, lucrările lui Choi Byung-so sunt aspre, rănite și reale (Reality).
Choi Byung-so a plecat, dar urmele pe care le-a lăsat în urma sa rămân acum un 'prezent' etern. 'TIME' din lucrările sale s-a oprit, dar întrebarea despre 'LIFE' pe care a lăsat-o nu s-a încheiat. Această expoziție 《Untitled》 nu este un punct final în viața unui artist, ci un semn de întoarcere a valorii universale a artei sale către generațiile viitoare.
În sala de expoziție cu miros de cerneală, în fața hârtiei negre, în sfârșit auzim sunetul unei lumi fără zgomot. Aceasta este tăcerea grandioasă pe care doar arta o poate oferi.
