Le 28 janvier 2026, Washington D.C. était un espace où la brume froide du fleuve Potomac et le poids statique des bâtiments en pierre du gouvernement fédéral se croisaient. Cependant, ce soir-là, la température à l'intérieur de la Smithsonian Arts and Industries Building, située au cœur du National Mall, s'est élevée à un niveau de chaleur d'une toute autre dimension. Ce bâtiment historique, qui symbolisait la révolution industrielle américaine du 19ème siècle, brillait ce soir-là d'un éclat esthétique condensé de 5 000 ans d'histoire de la péninsule coréenne, et non d'énergie électrique. Le gala dinner célébrant la conclusion réussie de l'exposition itinérante des dons du défunt président Lee Kun-hee, intitulée « Trésors coréens : collectés, chéris, partagés (Korean Treasures: Collected, Cherished, Shared) », n'était pas un simple événement d'entreprise. C'était une grande épopée montrant comment la détermination d'une famille a sauvé l'âme d'une nation et comment la philosophie orientale qui fait de l'« absence » une vertu a rencontré le « désir comblé » occidental.
Pour comprendre la résonance de cette nuit historique, il faut d'abord retracer la chronologie du lieu qui a servi de contenant. La Smithsonian Arts and Industries Building est le deuxième plus ancien bâtiment du complexe des musées Smithsonian, conçu par Adolf Cluss et Paul Schulze, et ouvert en 1881 lors du bal de célébration de l'inauguration du président James A. Garfield. Ce bâtiment, construit pour accueillir 60 wagons d'expositions rapportés de l'Exposition universelle de Philadelphie de 1876, était un espace prouvant le génie technique, le progrès et la civilisation américains. L'entrée de la statue de l'Amérique, qui se tenait autrefois avec une lampe d'Edison, est maintenant le lieu où se rassemblent des figures politiques et économiques des deux pays, confrontées à l'essence de l'esthétique coréenne. La liste des participants était en soi une cartographie du pouvoir mondial. En tête, le secrétaire au Commerce Howard Rutnik, suivi de Ted Cruz, Tim Scott, Andy Kim et d'autres personnalités clés du Congrès américain, ainsi que Wendell Weeks, président de Corning, Gary Dickerson, PDG d'Applied Materials, et Jerry Yang, cofondateur de Yahoo, des architectes de la domination technologique. Ils ont mis de côté leur froide rationalité, discutant des processus de fabrication de wafers en silicium, pour partager un respect humain devant les courbes de la porcelaine, semblant capturer la lumière de la lune, et les lourdes montagnes de Inwangsan après la pluie.
Il est particulièrement remarquable que de nombreux membres du Congrès représentant le Texas et la Caroline du Sud, où se trouvent les sites de production de Samsung, aient assisté à cet événement. Cela suggère que la collection Lee Kun-hee joue un rôle central dans la diplomatie culturelle, renforçant la cohésion du « hard power » (semi-conducteurs, appareils électroménagers) à travers le « soft power ». Lee Jae-yong, président de Samsung Electronics, a déclaré dans son discours que la prospérité moderne de la Corée n'aurait pas été possible sans le sacrifice de 36 000 vétérans américains il y a plus de 70 ans, présentant une rhétorique raffinée qui sublime la dette historique en échanges culturels. Dans la salle, quatre vétérans de la guerre de Corée, dont Rudy B. Mikins, étaient assis dans la section d'honneur, symbolisant un moment émouvant où les alliés du passé évoluent en partenaires culturels pour l'avenir.
Walter Benjamin a défini l'acte de collection comme une « lutte contre la dispersion ». Pour un collectionneur, la possession est la relation la plus intime qu'il puisse avoir avec un objet, et le collectionneur croit qu'il vit à travers les objets. Les patrimoines culturels coréens étaient en danger de se disperser à travers le monde à cause de la perte de souveraineté et des ravages de la guerre que la Corée du Sud a dû endurer au 20ème siècle. La collection de Lee Byung-chul, le fondateur, et de Lee Kun-hee, son prédécesseur, n'était pas simplement un hobby de collectionner des antiquités coûteuses, mais un mouvement culturel désespéré pour préserver et protéger l'« aura » d'une nation en voie de disparition.
La collection Lee Kun-hee, avec ses plus de 23 000 pièces, est impressionnante, mais la volonté de « préservation » qu'elle incarne a un poids encore plus grand. Lorsque la famille Samsung a fait don de cette vaste collection à l'État en 2021, cela a été enregistré comme une « contribution nationale », signifiant une transition de la propriété privée au partage public. Lors du gala dinner, la directrice honoraire Hong Ra-hee a évoqué le processus d'élargissement de la collection, allant des artefacts anciens aux chefs-d'œuvre modernes, soulignant comment l'identité de l'art coréen ne se limite pas aux artefacts du passé, mais se connecte également à l'art avant-gardiste contemporain. L'exposition actuelle à la Smithsonian NMAA est le premier fruit de ce don à l'étranger, ayant attiré plus de 65 000 visiteurs, établissant un record pour la plus grande exposition d'art coréen de tous les temps.
Parmi les nombreux trésors exposés, c'est sans conteste le Baekja Daeho (jarre de porcelaine blanche) qui a le plus profondément ébranlé l'âme du public américain. Cette jarre, représentant la beauté de la retenue confucéenne du 17ème au 18ème siècle en Corée, incarne la philosophie du « Yeobaek » plutôt que des ornements colorés ou des dorures. Le Yeobaek n'est pas un simple espace vide. C'est la « plénitude de l'absence » intentionnellement laissée pour que le regard et le cœur du spectateur puissent s'y attarder.
La jarre n'est en aucun cas une sphère parfaite. En raison de sa grande taille, il faut façonner deux hémisphères séparément pour les assembler, et les traces d'asymétrie et de jointure qui en résultent insufflent en réalité une vitalité à la jarre. Le philosophe britannique Alain de Botton a loué la jarre en la qualifiant de « sublime hommage à la vertu de l'humilité ». Contrairement à l'esthétique symétrique occidentale qui impose la perfection, la jarre offre un sentiment de réconfort en affirmant l'imperfection humaine et que « tout ne doit pas être parfait ». Cette « indifférence naturelle » résonne avec l'esthétique de guérison que les modernes recherchent, et le fait que les produits dérivés liés à la jarre se soient vendus comme des petits pains dans la boutique de souvenirs de l'exposition est le résultat de cette empathie populaire.
Les critiques d'art désignent la jarre comme une « jarre qui a englouti le temps ». Comme l'argile d'il y a 200 ans renaît en une nouvelle créature sur la toile moderne, la jarre de la collection Lee Kun-hee n'est pas un artefact du passé, mais une source d'inspiration en cours. C'est pourquoi des artistes contemporains comme Kwon Dae-seob réinterprètent la jarre, explorant les frontières entre l'existence et l'absence, la forme et le vide.
Si la jarre symbolise l'intérieur des Coréens, le « Inwangjesaekdo » de Jeong Seon montre une révolution dans la façon dont les Coréens perçoivent le monde extérieur. En 1751, à l'âge de 76 ans, Jeong Seon a peint ce chef-d'œuvre, qui est le sommet de la peinture de paysage « True-view ». Avant Jeong Seon, les artistes imitaient les paysages idéalisés de la Chine, peignant des montagnes célèbres qu'ils n'avaient jamais visitées, mais Jeong Seon a capturé le paysage réel de Joseon sous ses pieds avec son pinceau.
Le Inwangjesaekdo décrit Inwangsan juste après la pluie. Les rochers de granit mouillés s'abaissent lourdement dans une couleur d'encre sombre, tandis que la brume s'élevant entre les vallées contraste avec un blanc éclatant. Ce n'est pas simplement une peinture de paysage. C'est l'expression visuelle du mouvement Silhak qui a eu lieu parmi les intellectuels de Joseon à l'époque, une déclaration subjective cherchant à découvrir la valeur unique de « notre chose » en s'éloignant de l'influence chinoise. Les lignes d'encre répétées utilisées pour exprimer la texture des lourdes montagnes semblent anticiper les techniques d'abstraction modernes, offrant un choc visuel puissant aux spectateurs contemporains, même après plus de 200 ans.
La raison pour laquelle cette exposition à la Smithsonian est encore plus spéciale est qu'elle n'hésite pas à établir des connexions audacieuses entre l'art classique et la culture pop moderne. Un tambour de 19ème siècle en forme de lion, qui occupait un coin de l'exposition, était un outil rituel dans les temples bouddhistes, mais il a pris un sens totalement différent pour les jeunes spectateurs de la génération MZ américaine. Ils ont découvert dans l'expression humoristique du lion le personnage « Derpy » de l'animation « KPop Demon Hunters », qui a frappé Netflix en 2025.
Ce film, réalisé par Maggie Kang, raconte l'histoire d'un groupe de filles K-pop, « Huntrix », qui combattent des fantômes avec des chants et des danses, incarnant des chamanes modernes. Les nombreux esprits et divinités qui apparaissent dans le film s'inspirent des images de la jarre de Tiger and Magpie ou des tigres dans les peintures folkloriques, qui étaient autrefois décrits de manière ridicule pour satiriser les nobles autoritaires. Ces tigres renaissent sur l'écran du 21ème siècle, formant un fandom mondial. Cela montre parfaitement comment l'art de haut niveau peut nourrir la culture populaire et prouve que les racines de la K-culture reposent sur une tradition historique profonde.
Le fait que les lampes « jarre de lune » et les souvenirs « Inwangjesaekdo » se soient vendus rapidement à l'entrée de l'exposition n'est pas simplement un désir matériel. Cela signifie que l'identité esthétique coréenne s'est établie comme un « phénomène » transcendant les générations et les frontières, allant des adolescentes passionnées par « Huntrix » aux personnes d'âge moyen émus par l'air de Jo Su-mi.
Le gala dinner dirigé par Lee Jae-yong cache une stratégie sophistiquée de « diplomatie culturelle ». Les conversations échangées dans la salle étaient aussi délicates que les joints de la poterie, portant sur des chaînes d'approvisionnement de semi-conducteurs et des écosystèmes d'IA. Wendell Weeks de Corning a mentionné le partenariat de 50 ans avec Samsung, affirmant que cette collection n'est pas simplement une énumération d'œuvres d'art, mais « l'incarnation d'une passion pour la création qui a eu un impact positif sur le monde à travers les générations ».
Cela représente le processus par lequel Samsung, en tant qu'entreprise, se positionne non seulement comme un fabricant de matériel, mais aussi comme un « leader culturel » qui préserve la mémoire de l'humanité et conçoit la valeur future. Lorsque les personnalités politiques américaines contemplent les lignes d'encre du Inwangjesaekdo, elles réalisent la résilience de la Corée, et la confiance dans les investissements en semi-conducteurs de Samsung se renforce discrètement. Ce renforcement de réseau de haut niveau, où le soft power (art) confère légitimité et confiance au hard power (technologie), est l'un des objectifs ultimes que la collection Lee Kun-hee a cherché à atteindre par le biais de dons.
Le succès de l'ouverture à la Smithsonian n'est que le début. La tournée mondiale de la collection Lee Kun-hee se dirige maintenant vers Chicago, le centre industriel des États-Unis, et Londres, le trésor de la culture humaine. L'exposition au Art Institute of Chicago, qui se tiendra à partir de mars 2026, montrera comment les peintures modernes de la collection Lee Kun-hee dialoguent avec des maîtres de l'art moderne occidental tels que Matisse et de Kooning. En septembre, elle présentera l'essence de l'esthétique coréenne au British Museum devant un public européen.
Cette grande épopée ressemble à un flux qui ne se termine jamais. La perte de l'aura à l'ère de la reproduction mécanique, que Walter Benjamin craignait, a été inversée en une « diffusion universelle de l'aura » à travers le Samsung Art Store. Les coups de pinceau numériques du Inwangjesaekdo diffusés sur les écrans de télévision de milliers de foyers à travers le monde ne dégradent pas la noblesse de l'original, mais constituent une pratique d'« esthétique démocratique » permettant à l'humanité de posséder la beauté coréenne dans son propre espace.
La nuit du gala dinner à Washington, le 28 janvier 2026, l'air de Jo Su-mi a rempli le plafond de la Smithsonian Arts and Industries Building. C'était comme la réflexion des pensées des spectateurs remplissant l'intérieur vide de la jarre. Le véritable message que la collection Lee Kun-hee a transmis au monde n'est pas « Qu'avons-nous ? » mais « Qu'avons-nous préservé ? »
Ces artefacts, qui ont existé comme des preuves de résistance pendant les périodes de souffrance nationale et comme une philosophie de partage pendant les périodes de prospérité, deviennent maintenant un héritage de l'humanité au-delà des frontières de la Corée. La flexibilité de l'art coréen, capable d'incorporer des interprétations d'un monde plus large grâce à l'espace vide (Yeobaek), est semblable à la dernière « forteresse de l'âme » que l'humanité doit préserver à l'ère technologique austère. L'horizon esthétique ouvert par la collection Lee Kun-hee continuera de briller d'une lumière blanche, même parmi les gratte-ciels de Chicago et la brume de Londres, devenant le lien doré qui maintiendra l'histoire de l'humanité ensemble.
