La colección de Lee Kun-hee y el 'tema' de la 'vaciedad' que lanzó al mundo

El 28 de enero de 2026, Washington D.C. era un espacio donde se cruzaban la niebla del frío río Potomac y el peso estático de los edificios de piedra del gobierno federal. Sin embargo, esa noche, la temperatura dentro del Smithsonian Arts and Industries Building (AIB), ubicado en el corazón del National Mall, se elevó a un calor de una dimensión completamente diferente. Este edificio histórico, que simbolizaba el 'palacio de las maravillas' de la revolución industrial estadounidense del siglo XIX, brillaba esa noche con un resplandor estético condensado de 5,000 años de historia de la península de Corea, no con energía eléctrica. La cena de gala que celebraba la exitosa conclusión y clausura de la exposición itinerante de donaciones del fallecido Lee Kun-hee, titulada 'Tesoros de Corea: recolectados, apreciados, compartidos' (Korean Treasures: Collected, Cherished, Shared), no era simplemente un evento corporativo. Era una épica grandiosa que mostraba cómo la determinación de una familia había salvado el alma de una nación y cómo la filosofía oriental que considera la 'vaciedad' como una virtud se había encontrado con el 'deseo lleno' de Occidente.  

Para entender la resonancia de esta noche histórica, primero debemos revisar la cronología del lugar que sirvió como recipiente. El Smithsonian Arts and Industries Building es el segundo edificio más antiguo del complejo de museos Smithsonian, diseñado por Adolf Cluss y Paul Schulze, y abrió sus puertas en 1881 al albergar el baile de inauguración del presidente James A. Garfield. Este edificio fue construido para albergar 60 vagones de exhibiciones traídas de la Feria Mundial de Filadelfia de 1876 y era un espacio que demostraba la genialidad técnica, el progreso y la civilización de Estados Unidos. La llegada de una estatua de Buda de 1,500 años de antigüedad y un jarro de luna de la dinastía Joseon en este espacio dominado por el racionalismo industrial del siglo XIX fue, en sí misma, una enorme metáfora.  

En la rotonda donde se celebró la cena de gala, el lugar donde antes se erguía la enorme 'Estatua de América' sosteniendo una lámpara de Edison, ahora estaba lleno de figuras prominentes de los sectores político y empresarial de ambos países, enfrentándose a la esencia de la estética coreana. La lista de asistentes era, por sí misma, un mapa del poder global. Encabezados por el secretario de Comercio Howard Rutnik, estaban presentes figuras clave del Congreso de EE. UU. como Ted Cruz, Tim Scott y Andy Kim, así como diseñadores de la hegemonía tecnológica como Wendell Weeks, presidente de Corning, Gary Dickerson, CEO de Applied Materials, y Jerry Yang, cofundador de Yahoo. Estos dejaron de lado momentáneamente la fría racionalidad de discutir los procesos de fabricación de obleas de silicio y compartieron un sentido de asombro humano ante las pesadas montañas de Inwangsan y las curvas de la cerámica blanca que parecían absorber la luz de la luna.

Es especialmente notable que muchos de los legisladores de Texas y Carolina del Sur, donde se encuentran las instalaciones de producción de Samsung, asistieron en gran número. Esto sugiere que la colección de Lee Kun-hee está desempeñando un papel central en la diplomacia privada que fortalece la cohesión del 'poder duro' (semiconductores, electrodomésticos) a través del 'poder blando'. En su discurso, Lee Jae-yong, presidente de Samsung Electronics, afirmó que la prosperidad de la Corea moderna no habría sido posible sin el sacrificio de 36,000 veteranos estadounidenses hace más de 70 años, presentando una retórica sofisticada que transforma la deuda histórica en un intercambio cultural. En el salón, cuatro veteranos de la Guerra de Corea, incluido Rudy B. Mikins, estaban sentados en la sección de honor, simbolizando un momento conmovedor en el que los aliados del pasado se han transformado en socios culturales del futuro.  

Walter Benjamin definió el acto de coleccionar como una 'lucha contra la dispersión'. Para un coleccionista, la posesión es la relación más íntima que puede tener con un objeto, y el coleccionista cree que vive dentro de los objetos. En el contexto de la pérdida de soberanía y las devastaciones de la guerra que tuvo que experimentar Corea del Sur en el siglo XX, el patrimonio cultural de Corea estaba en peligro de dispersarse por todo el mundo. La colección de Lee Byung-chul, el fundador, y Lee Kun-hee, su predecesor, no era simplemente un pasatiempo de coleccionar antigüedades caras, sino un desesperado movimiento cultural de liberación para preservar y embalsamar el 'aura' de una nación que estaba desapareciendo.  

La colección de Lee Kun-hee es asombrosamente vasta, con más de 23,000 piezas, pero lo que tiene un peso aún mayor es la 'voluntad de conservación' que contiene. Cuando la familia Samsung donó esta vasta colección al estado en 2021, se registró como una 'contribución nacional' que significaba una transición de la propiedad privada a la compartición pública. En el evento de la cena de gala, la directora honoraria Hong Ra-hee recordó el proceso de ampliar el alcance de la colección desde artefactos antiguos hasta obras maestras modernas, enfatizando cómo la identidad del arte coreano no se limita a los artefactos del pasado, sino que se conecta con el arte vanguardista contemporáneo. Esta exposición en el Smithsonian NMAA fue el primer fruto en el extranjero de esa donación, superando los 65,000 visitantes acumulados y estableciendo un récord como la exposición de arte coreano más grande de la historia.  

Entre los numerosos tesoros exhibidos, el que más profundamente conmovió el alma del público estadounidense fue, sin duda, el jarro de luna de cerámica blanca (Baekja Daeho). Este jarro, que representa la belleza de la moderación del confucianismo en la dinastía Joseon del siglo XVII y XVIII, contiene la filosofía de 'vacío' (Yeobaek) en lugar de decoraciones brillantes o doradas. El vacío no es simplemente un espacio vacío. Es la 'plenitud de la vaciedad' que se deja intencionadamente para que la mirada y el corazón del espectador puedan permanecer.  

El jarro de luna no es una esfera perfecta. Debido a su gran tamaño, se deben moldear dos hemisferios por separado y unirlos, lo que inevitablemente genera asimetría y marcas de unión que, en cambio, dan vida al jarro. El filósofo británico Alain de Botton ha elogiado el jarro de luna como un 'sublime homenaje a la virtud de la humildad'. A diferencia de la estética simétrica occidental que exige perfección, el jarro de luna afirma la imperfección humana y ofrece una sensación de alivio al decir que 'no todo tiene que ser perfecto'. Esta 'despreocupación natural' se conecta con la estética de la curación que los modernos anhelan, y el hecho de que los productos relacionados con el jarro de luna se agotaran en la tienda de recuerdos de la exposición es el resultado de esta resonancia popular.  

Los críticos de arte se refieren al jarro de luna como el 'jarro que devora el tiempo'. Así como la tierra de hace 200 años se transforma en un nuevo ser en el lienzo moderno, el jarro de luna en la colección de Lee Kun-hee no es un artefacto del pasado, sino una inspiración en curso. La razón por la que artistas contemporáneos como Kwon Dae-seob reinterpretan el jarro de luna y exploran los límites entre la existencia y la ausencia, la forma y el vacío, radica en esto.  

Si el jarro de luna simboliza el interior del coreano, la obra 'Inwangjesaekdo' de Jeong Seon muestra una revolución en la perspectiva de los coreanos hacia el mundo exterior. En 1751, Jeong Seon, a la edad de 76 años, pintó esta obra maestra, que es la cúspide de la pintura de paisaje verdadero (True-view landscape painting). Los pintores anteriores a Jeong Seon imitaban los paisajes ideales de China, imaginando montañas famosas que nunca habían visitado, pero Jeong Seon capturó el paisaje real de Joseon que tenía a sus pies.  

'Inwangjesaekdo' describe el monte Inwang justo después de que la lluvia se despeja. Las rocas de granito húmedas se asientan pesadamente en un profundo color negro de tinta, y la niebla que se eleva entre los valles contrasta con el brillante blanco del vacío. No es simplemente un paisaje. Es la manifestación visual del movimiento Silhak que surgió entre los intelectuales de Joseon, y es una declaración subjetiva de la búsqueda de un valor único de 'lo nuestro' al liberarse de la influencia china. Las líneas repetitivas utilizadas para expresar la textura de las pesadas montañas parecen anticipar las técnicas de la abstracción moderna, y esto proporciona un poderoso impacto visual incluso a los espectadores contemporáneos, trascendiendo más de 200 años de tiempo.

La razón por la que esta exposición en el Smithsonian fue aún más especial es que no dudó en hacer un intento audaz de conectar el arte clásico con la cultura pop moderna. Un antiguo soporte de tambor en forma de león del siglo XIX, que ocupaba un rincón de la sala de exhibición, era un instrumento ritual de los templos budistas, pero para los espectadores de la generación MZ de EE. UU., tenía un significado completamente diferente. Ellos descubrieron en la expresión humorística del león el personaje 'Derpy' de la animación 'KPop Demon Hunters', que arrasó Netflix en 2025.  

La película, dirigida por Maggie Kang, trata sobre un moderno chamán que derrota a los fantasmas con canciones y bailes de la girl group K-pop 'Huntrix'. Muchos de los espíritus y deidades que aparecen en la película se inspiraron en la imagen del tigre de la pintura de Hojakdo o en los tigres de las pinturas populares. El tigre, que en el pasado fue representado como un tonto para satirizar a los aristócratas autoritarios, ha resurgido en la pantalla del siglo XXI, formando un fandom global. Este es un ejemplo perfecto de cómo el arte de alta calidad se convierte en el nutriente de la cultura popular, y demuestra que las raíces de la K-cultura se basan en una profunda tradición histórica.

La rápida venta de las luces de 'jarro de luna' y los recuerdos de 'Inwangjesaekdo' en la entrada de la sala de exhibición no es simplemente un deseo material. Significa que la identidad estética de Corea se ha establecido como un 'fenómeno' que trasciende generaciones y fronteras, desde las adolescentes que se entusiasman con 'Huntrix' hasta los adultos que lloran con el aria de la soprano Jo Sumi.

Detrás de esta cena de gala, liderada por Lee Jae-yong, se oculta una estrategia de alta complejidad llamada 'diplomacia cultural'. Las conversaciones que tuvieron lugar en el salón eran tan elaboradas como la textura de la cerámica, y trataban sobre la cadena de suministro de semiconductores y el ecosistema de IA. Wendell Weeks, presidente de Corning, mencionó la asociación de medio siglo con Samsung, evaluando que esta colección no es simplemente una lista de obras de arte, sino una 'manifestación de la pasión por la creación que ha tenido un impacto positivo en el mundo a través de generaciones'.  

Esto es parte del proceso en el que la empresa Samsung se establece como un 'líder cultural' que va más allá de ser un simple fabricante de hardware, preservando la memoria de la humanidad y diseñando el valor del futuro. Cuando los funcionarios estadounidenses contemplan las líneas de tinta de 'Inwangjesaekdo', sienten la resiliencia de Corea, y la confianza en la inversión de semiconductores de Samsung se consolida en lugares invisibles. Este refuerzo de redes de alto nivel, donde el poder blando (arte) otorga legitimidad y confianza al poder duro (tecnología), es uno de los objetivos finales que la colección de Lee Kun-hee busca lograr a través de su donación.  

El exitoso inicio en el Smithsonian es solo el comienzo. La gira global de la colección de Lee Kun-hee ahora se dirige a Chicago, el centro industrial de EE. UU., y a Londres, el tesoro de la cultura humana. La exposición en el Art Institute of Chicago, que se llevará a cabo a partir de marzo de 2026, mostrará cómo las obras modernas de la colección de Lee Kun-hee dialogan con los maestros del arte moderno occidental como Matisse y de Kooning. Luego, en septiembre, se presentará la esencia de la estética coreana a la audiencia europea en el British Museum.

Esta gran narrativa es como un flujo que nunca termina. La pérdida de 'aura' en la era de la reproducción mecánica, que Walter Benjamin temía, se ha revertido a través de la tienda de arte de Samsung en una 'dispersión universal de aura'. Las pinceladas digitales de 'Inwangjesaekdo', transmitidas a través de las pantallas de televisión de miles de hogares en todo el mundo, no dañan la nobleza del original, sino que son una práctica de 'estética democrática' que permite a toda la humanidad poseer la belleza de Corea en su propio espacio.

La aria de Jo Sumi que resonó en la cena de gala de Washington la noche del 28 de enero de 2026 llenó el techo del Arts and Industries Building vacío. Era como el pensamiento de los espectadores llenando el vacío del jarro de luna. El verdadero mensaje que la colección de Lee Kun-hee transmitió al mundo no es '¿qué tenemos?' sino '¿qué hemos preservado?'.  

Estos artefactos, que existieron como evidencia de resistencia en tiempos de sufrimiento nacional y como filosofía de compartir en tiempos de prosperidad, ahora están renaciendo como patrimonio de toda la humanidad más allá de las fronteras de Corea. La flexibilidad del arte coreano, que puede contener interpretaciones de un mundo más amplio gracias a la existencia de un espacio vacío, es como el último 'bastión del alma' que la humanidad debe preservar en la era de la tecnología desoladora. Este horizonte estético que ha abierto la colección de Lee Kun-hee seguirá brillando con luz blanca en los rascacielos de Chicago y en la niebla de Londres, convirtiéndose en el dorado vínculo que asegura que la historia de la humanidad no se disperse.