En febrero de 2026, el invierno en Seúl es especialmente frío y seco. Al abrir la puerta de Perrotin Seúl, nos encontramos con una enorme pared de silencio. Esa pared es negra. Pero no es simplemente un negro. Es una estratificación del tiempo creada por miles y miles de movimientos de manos, y es el rastro de una lucha desesperada que ocurre en el proceso de reducción del lenguaje a materia. En septiembre de 2025, a la edad de 82 años, falleció el maestro del arte experimental coreano, Choi Byung-soo. Esta exposición, que se lleva a cabo cuatro meses después de su muerte, 《Sin Título》 (20 de enero de 2026 - 7 de marzo de 2026), va más allá de ser una simple retrospectiva. Es un majestuoso réquiem que demuestra cómo la estética del 'borrado' que un artista dedicó toda su vida puede silenciar el ruido de la época y alcanzar la esencia del arte, y más allá, la raíz de la existencia humana.
El arte de Choi Byung-soo está entrelazado con la particularidad de la historia contemporánea de Corea desde la elección de los materiales. En la década de 1970, el lienzo y la pintura al óleo eran un lujo para un joven artista pobre. En su lugar, se centró en los materiales más comunes a nuestro alrededor, es decir, el papel de periódico y un bolígrafo barato. En particular, el 'bolígrafo Monami 153', que utilizó toda su vida, es un instrumento de escritura que ha estado con los coreanos desde su producción en 1963. El artista realizó un intento subversivo de producir un valor noble llamado 'arte' utilizando esta herramienta tan popular y económica.
El 'papel de periódico' o 'papel de galga' que constituye la base de su trabajo simboliza la deficiente tecnología de papel durante el período de reconstrucción después de la década de 1950. Este papel, de superficie áspera y color amarillento, tiene una debilidad tal que se rasga y se desgasta fácilmente solo con escribir. Los recuerdos de este papel, que se utilizó como libro de texto en su infancia, se convirtieron en una profunda trauma y fuente de inspiración para el artista. Él sublimó el límite físico de que el papel se rasga, es decir, el estado justo antes de que la materia colapse, en un lenguaje artístico.
El proceso de trabajo de Choi Byung-soo requiere un arduo trabajo físico. Primero, traza líneas con un bolígrafo sobre el papel de periódico. Dibuja de manera densa hasta que el texto no sea visible. La tinta del bolígrafo se filtra entre las fibras del papel, y el calor por fricción hace que el papel se adelgace y se rasgue en algunos lugares. Luego, aplica grafito de un lápiz 4B sobre ello.
A través de este proceso, el papel de periódico ya no es papel, sino que se transforma en una superficie metálica impregnada de brillo de grafito. Las grandes obras que llenan las salas de exhibición de Perrotin Seúl, en los pisos 1 y 2, muestran una textura similar a la de una placa de acero negro o cuero viejo. Esta es una tercera materia que nace de la combinación química de tinta, grafito y el sudor del artista. La fragilidad del papel desaparece, y solo queda la solidez material como resultado del trabajo. El espectador experimenta aquí una abrumadora densidad visual y sublimidad.
Para entender las raíces artísticas de Choi Byung-soo, es necesario examinar de cerca el contexto espacio-temporal de 'Daegu' en la década de 1970. En ese momento, Daegu era un centro de arte experimental que se oponía al sistema de exposiciones nacionales centrado en Seúl y a la atmósfera conservadora del mundo del arte. Choi Byung-soo fue miembro fundador y figura clave del 《Festival de Arte Contemporáneo de Daegu》, el primer festival de arte contemporáneo en Corea, fundado en 1974.
En 1975, fundó el colectivo de arte de vanguardia '35/128' junto a Kang Ho-eun, Kim Gi-dong, Lee Myung-mi, entre otros, que significa la latitud (35 grados) y longitud (128 grados) de Daegu. Este grupo lideró experimentos conceptuales que desafiaban la autoridad y el formalismo del mundo del arte existente, afirmando que "puede ser arte sin dibujar". Durante este período, Choi Byung-soo estuvo en la vanguardia del arte de vanguardia coreano, transitando entre diversos medios como video, instalación y happening. Este fue un proceso de formación de un espíritu de época en interacción con artistas de arte experimental contemporáneos como Kim Ku-rim, Lee Kang-soo y Park Hyun-ki, y un proceso de construcción de la singularidad del arte experimental coreano, diferenciándose del minimalismo occidental y del Mono-ha japonés.
A mediados de la década de 1970, el momento decisivo que llevó a Choi Byung-soo a comenzar a trabajar con papel de periódico no es ajeno a la sombría situación política de la época. Bajo el régimen de dictadura de Yushin, los medios de comunicación estaban completamente controlados, y los periódicos solo publicaban verdades censuradas. En una época en la que la función de los medios estaba paralizada, el periódico no era un medio de transmisión de información, sino solo un compendio de textos engañosos.
Choi Byung-soo
Para Choi Byung-soo, que en ese momento era un joven de 30 años, el acto de aplastar y borrar un artículo de periódico con un bolígrafo era una expresión de ira hacia las palabras reprimidas, y una resistencia poderosa pero pasiva que negaba los caracteres falsos. Algunos críticos interpretan esto como una "resistencia a la represión de los medios". Sin embargo, el artista más tarde amplió esto a una dimensión de "autodisciplina" que va más allá de un acto político. Su declaración de que "no se trata de borrar el periódico, sino de borrarme a mí mismo" muestra que sumergió el dolor de la época en su interior y lo sublimó en una práctica artística.
Estas actividades iniciales de Choi Byung-soo fueron relativamente menos notadas durante mucho tiempo debido a la ola de Dansaekhwa (pintura monocromática). Sin embargo, la exposición 《Arte Experimental Coreano 1960-70 (Only the Young: Experimental Art in Korea, 1960s–1970s)》, coorganizada por el Museo Nacional de Arte Moderno y el Museo Solomon R. Guggenheim en 2023, se convirtió en un momento decisivo para reposicionar a Choi Byung-soo como un artista clave del arte experimental coreano. Esta exposición reveló que el trabajo de Choi Byung-soo no es simplemente pintura plana, sino 'arte de acción conceptual' que nació en el contexto político y social en rápida transformación de Corea. La presente exposición en Perrotin Seúl, que se lleva a cabo justo después de esta reevaluación internacional, es la primera exposición individual del artista después de su fallecimiento, y será un momento importante para consolidar su estatus en la historia del arte.
Un punto que merece especial atención en esta exposición de Perrotin es que el artista presentó una gran cantidad de trabajos en los que, además de su método habitual de borrar completamente la superficie del periódico, dejó intencionadamente ciertas partes o formas. Esto sugiere que el acto de 'borrar' del artista no es una destrucción aleatoria, sino una elección formal altamente calculada y una pregunta filosófica.
Algunas de las obras expuestas no borraron la parte superior del periódico, es decir, el encabezado (Título), la fecha y el número de edición. Aunque el artículo en el cuerpo inferior está completamente oculto con tinta negra y grafito, la fecha y el encabezado en la parte superior permanecen claramente visibles.
Esta composición ancla la obra en un tiempo y espacio concretos.
Especificidad: Si el periódico completamente borrado es una 'materia' abstracta, el periódico con la fecha dejada es un testimonio concreto de la historia '19xx año x mes x día'.
Evocación de la memoria: El espectador, al ver la fecha dejada, recuerda eventos de ese día o recuerdos personales. Sin embargo, el contenido del artículo que podría validar esos recuerdos ha sido borrado. La tensión entre la memoria (lo que queda) y el olvido (lo que se pierde) maximiza el drama de la obra.
Esto no es un nihilismo que dice "todo desaparece", sino una afirmación existencial que dice "sin embargo, el tiempo se registra".
En esta exposición también se presentan trabajos que dejan formas como círculos. El espacio circular intencionadamente vacío en medio de la acción de trazar líneas densas proporciona un respiro en la pantalla negra.
Ritmo formal: En la repetición obsesiva de líneas que cruzan vertical y horizontalmente, la curva orgánica del círculo proporciona un descanso visual.
Significado simbólico: El círculo puede evocar el 'Ilwonsang' del budismo, simbolizar la luna o el universo, o interpretarse como una ventana que mira hacia un mundo cerrado (el periódico pintado de negro).
Presencia de la ausencia: El espacio dejado sin borrar es un dispositivo paradójico que enfatiza aún más el acto de 'borrar'. Si la parte pintada es el 'resultado de la acción', la parte dejada revela la materialidad original del papel a través de la 'ausencia de la acción'.
El artista también ha trabajado recortando páginas de revistas famosas como The New York Times, TIME y LIFE. Aquí, también optó por no borrar las palabras 'TIME' o 'LIFE'.
Esto es el ingenio y la perspicacia de Choi Byung-soo, que transforma los encabezados estereotipados de los medios en preguntas filosóficas fundamentales sobre la existencia humana. Al borrar la inundación de información (el contenido de la revista TIME/LIFE), paradójicamente está cuestionando el verdadero significado de 'tiempo' y 'vida' que hemos perdido.
La obra más rara y sorprendente de esta exposición es la 'obra blanca' 〈Sin Título 0241029〉(2024). Mientras que las obras anteriores llenaban la pantalla con tinta negra y grafito (Relleno), esta obra fue realizada con un bolígrafo vacío sin tinta (Empty Pen).
El artista tomó un bolígrafo que no escribía y trazó líneas sobre el papel de periódico. Aunque hay miles de trazos, el color resultante no existe. Lo que queda en la pantalla son las marcas presionadas (Trace) que dejó la punta del bolígrafo, las heridas del papel desgastado y rasgado, y pequeñas irregularidades.
Esto es un estado en el que incluso el acto de 'borrar' ha sido borrado, o donde se ha castrado el 'pigmento', que es la condición mínima de la pintura. Solo quedan la acción pura y la transformación física resultante. Esta obra blanca puede considerarse la estación final del arte de Choi Byung-soo. Al eliminar el elemento visual del color, el espectador puede concentrarse completamente en la textura del papel y el reflejo de la luz. Esto es un cristal que visualmente representa el mundo del 'vacío' que ha perseguido toda su vida.
El mundo de trabajo de Choi Byung-soo está profundamente conectado con el pensamiento fenomenológico de Maurice Merleau-Ponty, en el que estaba inmerso. En 1998, tomó prestado el título de la obra de Merleau-Ponty, 『Sentido y sin sentido (Sens et Non-Sens)』 como título de su obra.
Así como Merleau-Ponty criticó la lógica centrada en la razón y enfatizó la importancia de la percepción corporal, Choi Byung-soo desmanteló el mundo lógico del periódico dominado por el lenguaje (Logos) a través de un acto ilógico de trabajo físico (trazar con bolígrafo). Su trabajo de objeto, donde rasgó y desgastó los bordes del libro 『Sentido y sin sentido』, simboliza esta filosofía. Al dañar físicamente este repositorio de conocimiento, degrada el significado textual que contiene a la materia sin sentido, al mismo tiempo que genera un nuevo significado artístico a través del propio acto, en un proceso dialéctico.
En 2026, vivimos en una era en la que la IA generativa produce texto e imágenes sin límites, y las noticias falsas y la sobrecarga de información se han convertido en parte de la vida cotidiana. Toda la información se convierte en código digital, consumida y desaparecida a la velocidad de la luz. En este punto, los papeles rasgados y agujereados que dejó el fallecido Choi Byung-soo nos plantean preguntas profundas.
Las obras colgadas en la sala de exposiciones de Perrotin Seúl son, paradójicamente, el más poderoso 'testimonio de la materia'. A diferencia de las ilusiones ocultas tras la superficie lisa de una pantalla digital, la pantalla de Choi Byung-soo es áspera, herida y una realidad tangible.
Choi Byung-soo se ha ido, pero las huellas que dejó al trazar y borrar permanecen ahora como un 'presente' eterno. Su 'TIME' se ha detenido, pero la pregunta de 'LIFE' que dejó no ha terminado. Esta exposición 《Sin Título》 no será un punto final que cierra la vida de un artista, sino un bucle que conecta el valor universal de su arte con la próxima generación.
En la sala de exposiciones con el tenue olor a tinta, frente al papel ennegrecido, finalmente escuchamos el sonido de un mundo sin ruido. Es el gran silencio que solo el arte puede ofrecer.
