[Magazine Kave=ParkSunam Reporter] 3. April 2026, ein dumpfer Knall hallte erneut über die Netflix-Bildschirme der Welt. Keine spektakulären Superkräfte, keine High-Tech-Waffen. Nur die Fäuste zweier junger Männer, verbunden wie aus Schweiß und Druck – und doch entfachte dieser analoge Faustkampf abermals die Begeisterung von Zuschauern weltweit. Die Netflix-Originalserie „Bloodhounds“ Staffel 2 stieg bereits am Tag der Veröffentlichung in der Kategorie „Global TV Shows“ auf Platz 2 ein (FlixPatrol) – und landete drei Tage später mit über 5 Millionen Views in den Top 10 in 67 Ländern. Auch der Rotten-Tomatoes-Audience-Score erreichte mit 81 % einen hohen Wert. Damit wurde ein erfolgreiches Comeback sowohl beim Publikum als auch bei Kritikern signalisiert.

Doch mit einem Satz wie „Die Action ist einfach fulminant“ lässt sich die Sprengkraft, die dieses Werk besitzt, bei Weitem nicht erklären. „Bloodhounds“ ist an sich ein großes Paradox – und birgt gleich eine ganze Saga. Während die Kamera innerhalb der Geschichte eine Gewalt des Kapitalismus anklagt, geboren mitten im Chaos der Corona-Pandemie, entfaltet sich in Staffel 2 ein blutiger Krieg gegen digitale Verbrechen – symbolisiert durch Dark Web und Bitcoin. Aber die Realität außerhalb der Kamera war noch gnadenloser: Der Ausstieg eines Hauptdarstellers während der Dreharbeiten zu Staffel 1, umfangreiche Änderungen am Drehbuch und schließlich die tragische Geschichte einer jungen Schauspielerin, die am Ende ums Leben kam – all das warf einen unauslöschlichen Schatten über diese Serie.

Dieser Beitrag geht über die einfachen Rezensionen hinaus, die bereits bestehende Medien behandelt haben. Er seziert „Bloodhounds“ anhand soziologischer, psychologischer sowie globaler kulturwissenschaftlicher Perspektiven tiefgehend. Warum haben globale Fans sich statt von westlichen Gun-Fights von Koreas Faustkämpfen und der „K-Marine-Bromance“ faszinieren lassen? Wie sieht der philosophische Zusammenstoß aus, den der Regisseur mit „Analog vs. Digital“ beabsichtigt hat? Und welche Wellen schlug die Essenz des soziopathischen Bösewichts, das Jung Jihun erschaffen hat, ebenso wie die Tragik der bitteren Realität in der Erzählung? All diese großen, fesselnden Storylines rund um „Bloodhounds“ werden genauer unter die Lupe genommen.

1. Zeitalter der Epidemie, Alltag am Abgrund: Das Joch analoger Schulden (Das Erbe von Staffel 1)

Um den riesigen Erfolg von Staffel 2 zu verstehen, muss man zuerst die Grundlage von Staffel 1 betrachten – dort, wo die Samen dieser grausamen Tragikomödie gepflanzt wurden. Die Weltanschauung von „Bloodhounds“ ist in einer ganz konkreten, realistischen Zeit- und Raumschicht verankert: das Südkorea, in dem im Jahr 2020 die Corona-Pandemie das Lebensgefühl der Menschen weltweit abwürgte – insbesondere Seoul.

Die Tränen kleiner Selbstständiger und das Lächeln der Geldverleiher

Regisseur Kim Joo-hwan (Jason Kim), der „Midnight Runners“ und „The Divine Fury“ inszeniert hatte, adaptierte den gleichnamigen Naver-Webtoon als Drama und rückte die zeitgeschichtliche Katastrophe der Pandemie ganz nach vorn in den Mittelpunkt. In einem Interview mit den Medien erklärte Kim Joo-hwan: „Als Schaffender, der in derselben Zeit lebt, wollte ich die Schmerzen der Pandemie einfangen. Alle wurden vom Einfluss der Epidemie betroffen, und manche Menschen erlitten tiefes Leid. Ich wollte, dass sich diese Schmerzen und der Weg zur Bewältigung mit Zuschauern auf der ganzen Welt verbinden.“

Im Drama ist der Amateur-Boxnachwuchs Kim Gun-woo (Woo Do-hwan) ein pflichtbewusster junger Mann. Doch weil Sportwettkämpfe wegen der Epidemie abgesagt werden, müssen seine Träume auf Eis gelegt werden – und das kleine Café, das seine Mutter Yoon So-yeon (Yoon Yuh-sun) betreibt, gerät aufgrund von Betriebsbeschränkungen in eine schwere Insolvenz. In dieser Krisenzeit sind es vor allem diejenigen, die am hellsten lachen: skrupellose Geldverleiher wie der Kopf von „Smile Capital“, Kim Myung-gil (Park Sung-woong), die die Verzweiflung der Schwächeren als ihr Futter nutzen.

Selbstständige, die die Schwelle des Bankensektors nicht überwinden können, suchen im verzweifelten Hoffnungsschimmer nach Geldverleihern – und das Tagwerk von Kim Myung-gil verwandelt sie mit betrügerischen Verträgen, die in winziger Schrift gedruckt sind, selbst mit einer Lupe kaum zu erkennen, in Sklaven. Als die Mutter in Schulden versinkt, gerät Gun-woo in ein Schicksal, das ihn nicht auf den Ring, sondern auf die kalten Asphaltstraßen zwingt – wo er den Messern und Klingen der Geldverleiher gegenüberstehen muss.

Die Verbrechen in dieser Zeit sind zutiefst „analog“. Manipulierte Papierverträge, schwarze Geldbündel und Hinterhof-Gauner mit Stahlrohren und Waffen bilden das Zentrum der Gewalt. Das intuitive Kampfgerüst – Faust gegen Waffe, der anständige Einzelne gegen die skrupellose Großmacht – weckte die instinktive Katharsis von Zuschauern auf der ganzen Welt, die aufgrund wirtschaftlicher Ungleichheit längst über Grenzen hinweg ähnliche Leiden erfahren.

2. Die Evolution des Kapitals, der digitale Kolosseum-Kampf: Blut und Bitcoin vereint (Die Weltanschauung von Staffel 2)

In Staffel 1 gelang es Gun-woo und Woo-jin (Lee Sang-yi), Smile Capital zu zerstören und die analog verknotete Schuldenkette zu durchtrennen. Doch im Jahr 2026, drei Jahre später, hatte sich die Form des Verbrechens viel schneller und listiger entwickelt als das Wachstum der Protagonisten.

Das Auftauchen des Dark Web und der Iron-Knuckle-Fighting-Championship (IKFC)

In Staffel 2 erweitert Regisseur Kim Joo-hwan die Schlacht an der Front, um das Thema „Konflikt zwischen Geld und Menschlichkeit“ maximal auszureizen – und verlagert den Schauplatz in die Unterwelt als „globale Fighting-Liga“. Diese Welt, in der ein neuer Hauptgegner Im Baek-jeong (Jung Ji-hun) herrscht, ist keine bloße Höhle physischer Gewalttäter. Im Baek-jeong betreibt im Dark Web die Iron Knuckle Fighting Championship (IKFC), ein Turnier, das von hunderten Millionen anonymen Nutzern weltweit verfolgt wird.

An genau dieser Stelle wird das Paradigma des Verbrechens vollständig von analog auf digital umgestellt. Zuschauer verstecken sich hinter dem Monitor und setzen große illegale Wetten mit Bitcoin (Bitcoin). Der blutige Metzgerkampf auf dem Ring ist nicht mehr als digitales Content-Material – einzig darauf ausgerichtet, Traffic zu erzeugen und Kryptowährungen einzusammeln.

Regisseur Kim Joo-hwan erklärte: „Wenn Staffel 1 die Geschichte von Boxern war, die in einer Pandemiesituation gegen Geldverleiher kämpfen, dann taucht Staffel 2 noch tiefer in den Konflikt zwischen Geld und Menschlichkeit ein. ‚Globale‘ Boxwelt‘ war das perfekte Mittel, um dieses Thema zu erforschen.“ Der Ruhm von Gun-woo, der sich vom Champion zu einem Publikumsliebling entwickelt hat, wirkt auf Im Baek-jeong wie ein attraktives „Produkt“. Im Baek-jeong bietet Gun-woo astronomische Summen an, um ihn über den Ring des Dark Web zu ziehen; doch als Gun-woo dies ablehnt, verschärft er den Druck durch grausame Drohungen und Entführungen.

In diesem digitalen Kolosseum wird menschliche Würde kompromisslos in Daten und Kryptowährungen umgewandelt. Das maßlose Toben anonymer Zuschauermassen, die hinter dem Bildschirm Wetten genießen, und die Wahnsinnsenergie von Im Baek-jeong, der zum personifizierten Geist des Geldes geworden ist, weben die Unmenschlichkeit des riesigen digitalen Kapitalismus zu einem schneidend klaren Bild zusammen.

3. Einmal Marine, immer Marine: K-Bromance und die Symbolik von „Hausmannskost“, für die der Westen Feuer fing

Der wichtigste Punkt, der „Bloodhounds“ am stärksten von einer einsamen Rachegeschichte wie „John Wick“ oder von machohaften Hollywood-Actionfilmen abhebt, liegt in der tiefen und fest verbundenen „Bromance“ der beiden Hauptfiguren – Gun-woo und Woo-jin. Das Magazin TIME beschrieb die Anziehungskraft des Werks so: „Manchmal wirkt es sogar ein wenig albern – aber eine Bruderschaft, die stets das Herz erwärmt (camaraderie), wird in eine grausame Krimi-Drama-Erzählung eingespritzt.“

K-Marine-Mentalität: Ikone von Hingabe und Verbundenheit

Diese Bromance ist mehr als nur das Gefühl von Gleichgesinnten, die „zufällig“ dieselbe Richtung einschlagen. Sie ist an ein besonderes kulturelles Symbol gebunden: Beide sind im Drama Absolventen der Republic of Korea Marine Corps (Korean Marine Corps). Zwei Männer, die sich im Finale der Box-Neulingsmeisterschaft gegeneinander in erbitterten Duellen gegenüberstanden, werden nach dem Ende des Kampfes bei einem gemeinsamen Essen – im Moment, in dem sie die Marine-Charge des jeweils anderen erkennen – augenblicklich zu „ewigen Brüdern“.

Während die westliche Militärkultur oft Individualismus und eine profe ssionelle Leistungsorientierung betont, wird die im Drama dargestellte K-Marine-Mentalität als absolute Verbundenheit „Wir sind verwandt mit dem gleichen Blut“ und durch selbstloses Opfer gezeichnet. Globale Fans auf Reddit waren tief beeindruckt von dieser besonderen „Vorgänger-Nachfolger“-Kultur und von der blindgläubigen Loyalität, die einander selbst an der Schwelle des Todes nicht fallen lässt. Ein Kritiker lobte ihre Beziehung mit den Worten: „Eine Kombination aus Ryu und Ken, die die Zeit überdauert.“

In Staffel 2 wurzelt diese Bromance noch tiefer in der Mitte der Handlung. Woo-jin, der in den intensiven Kämpfen des Vorgängers verletzt wurde und als professioneller Boxer in dieser Karriere letztlich ums Leben kam, entscheidet sich in Staffel 2 dafür, hinter Gun-woo zurückzutreten und stattdessen als Coach zu handeln – und ihn zum Champion heranzuziehen. Statt neidisch auf den Bruder zu blicken, der im Rampenlicht steht, rührt Woo-jins selbstlose Hilfe für seinen Erfolg. Lee Sang-yi, der Woo-jin spielt, erklärte: „Im Vergleich zu Staffel 1 wirst du einen deutlich reiferen und verlässlicheren Woo-jin sehen können. Er kämpft verzweifelt, um Gun-woo zu beschützen.“ Auch Woo Do-hwan scherzte: „Wir sagen uns, dass unsere Gefühle füreinander das Niveau einer ‚Bromance-Melo‘ erreicht hätten. Weil man den Schmerz kennt, einen so wertvollen Menschen zu verlieren, wollen wir einander bis zum Ende schützen – damit niemand verletzt wird.“

Der Anker in einer grausamen Welt: „Das Home-cooked meal der Mutter“

Im Strudel aus blutiger Gewalt ist das stärkste Symbol, das die Menschlichkeit der beiden jungen Männer festhält, gerade die Hausmannskost „Home-cooked meals“, die Gun-woos Mutter Yoon So-yeon (Yoon Yuh-sun) für sie zubereitet. Wenn die Härte der Welt sie einfach ließe, dann hätten die beiden Jugendlichen ihren Alltag vermutlich nur darin verbracht, tagsüber an Sandsäcken zu trainieren und abends die warme Eintopf- und Reisschüssel ihrer Mutter zu teilen – in einer ruhigen, geordneten Existenz.

Rache oder Kämpfe sind für sie keine große Umsetzung von Gerechtigkeit. Es ist ein erbitterter Verteidigungskampf für ein bescheidenes Leben – genauer gesagt dafür, „den Tisch der Mutter“ zu schützen. Als Im Baek-jeong in Staffel 2 versucht, die Mutter Yoon So-yeon zu entführen, um Gun-woo zu bedrohen, ändert sich Gun-woos Blick sofort – weil ihr Zufluchtsort verletzt wird. Diese zutiefst analoge, instinktive Form von Zuneigung – eine warme Mahlzeit, die die Mutter kocht – stellt einen perfekten Gegensatz dar zu der Verbrechenswelt, die mit Geld und Gier durchsetzt ist. Dadurch überzeugt sie die Zuschauer auf eindringliche Weise von der Rechtfertigung der Gewalt.

4. Der Einfall des Wahnsinnshunds: Die Psychologie des Soziopathen, den Jung Ji-hun erschaffen hat

Der entscheidende Grund, warum Staffel 2 mehr Spannung als das Vorgängerwerk halten konnte, lag im Auftritt eines neuen Gegenspielers mit übermächtiger Wucht. Der Sänger und Schauspieler Jung Ji-hun (Rain), der nach 28 Jahren auf der Bühne erstmals einen Bösewicht verkörpern durfte, schaffte es mit dem Charakter „Im Baek-jeong“, gleich mehrere bekannte Klischees in Stücke zu reißen.  

Die Geburt des absoluten Bösen ohne Backstory

In gewöhnlichen Dramen oder Filmen besitzen die Bösewichte entweder eine frühere Geschichte (Backstory), in der erklärt wird, warum sie so geworden sind, oder sie zeigen im Verlauf der Handlung Schritt für Schritt ihre Verrücktheit. Doch Regisseur Kim Joo-hwan gab Jung Ji-hun stattdessen einen ganz anderen Auftrag.

„Der Regisseur wollte nicht, dass ich zu einem ganz typischen Bösewicht werde. Ohne diesen Rollercoaster-artigen Tonwechsel – erst so tun als wäre man ‚nett‘ und plötzlich richtig böse – wollte er, dass ich vom ersten Moment an bereits extrem wütend bleibe. Im Baek-jeong ist wie ein wahnsinniger Hund (rabid dog), der zehn Tage lang hungrig gewesen ist und Speichel bekommt, sobald er das Futter (Geld) riecht. Ich sollte, dass die Zuschauer jedes Mal, wenn er auftaucht, Angst haben: ‚Will der Kerl schon wieder irgendwen töten?‘“  

Um diesen narzisstischen Soziopathen mit gestörtem Wutmanagement perfekt darzustellen, brachte Jung Ji-hun seinen Körper und seine Psyche an die Grenze. Für die Boxer-Genie-Figur mit riesiger Statur und überwältigender Geschwindigkeit investierte er täglich sechs Stunden in Krafttraining und Box-Übungen. „Boxen ist eine Sportart, bei der man den Core und den Po nutzt. Schon wenn der Stand ein kleines bisschen schief ist, lachen Zuschauer, die Boxen wirklich kennen, sofort und sagen: ‚Was soll denn das sein?‘. Ich habe das letzte Jahr komplett in dieses Werk investiert, weil ich Schauspiel und Boxen gleichzeitig gemacht habe“, so gab er es preis.  

Blutiges Leben, das den Alltag auffrisst – und die Zurechtweisung von seiner Frau Kim Tae-hee

Wie sehr Jung Ji-hun im Spiel aufging, ließ sich auch nach dem Ausschalten der Kameras nicht so leicht wieder abstellen. Er gestand bei der Pressekonferenz und in Interviews, dass es lange gedauert habe, sich aus der Figur zu lösen. „Auch wenn ich nicht schauspielere, spürte ich, wie sich die Wut und die Energie in mir aufstauten. Sogar meine Frau (Schauspielerin Kim Tae-hee) hat mich zurechtgewiesen. Es ging nicht darum, dass meine Sprechweise rauer wurde – vielmehr war es die tödliche Kälte in meinem Blick, der im Alltag plötzlich auftauchte. Da bekam ich Kommentare wie: ‚Warum ist dein Blick überhaupt so komisch?‘“ Mit einem Lachen erzählte er die Behind-the-Scenes-Storie, wie vollständig er sich in die Rolle hineinversetzt hatte.  

Als Person, für die perfektes Body-Management fast ein Synonym war, zeigte er in diesem Werk sogar Anzeichen von Erschöpfung durch sein extremes Selbstmanagement. „Ist es schon leicht, sich immer nur zu bewegen und sonst nichts zu tun? Auch ich möchte irgendwann aufhören. Wenn es ein gutes Projekt gibt, werde ich wieder Action machen – aber Rollen, bei denen man sich nur auf den Körper versteift, haben Grenzen. Beim nächsten Mal würde ich gern lieber die Rolle eines Killers ausprobieren, der in einem 100-kg-amerikanischen Runningshirt mit dickem Bauch herumläuft“, so brachte er mit einem Schmunzeln seine Gedanken auf den Punkt. Dennoch – auch wenn er selbst müde wirkte – wirkte seine im Drama austrahlende „blutverschmierte Dominanz“ wie ein Kernmotor, der Gun-woo und Woo-jin immer tiefer in den Abgrund drückte und die Spannung der gesamten Serie expludierte.  

5. Realismus, der die Haut zerreißt: Die Ästhetik kompromissloser Actioninszenierung

Ein weiterer echter Hauptdarsteller von „Bloodhounds“ ist die Action selbst. Warum wird in Hollywood, wo Schusswaffen überall selbstverständlich sind, ausgerechnet Koreas Faustkampf so stark gefeiert? Weil er nicht aus den übermenschlichen Kampfkünsten aus Wuxia-Geschichten besteht, sondern ganz klar in realen Straßenkämpfen (Street fighting) verwurzelt ist – mit Schweiß und Schmerz als unverzichtbare Bestandteile.  

Die Kampfkunst von Heo Myung-haeng und die Kunst des Rhythmus

Der Martial-Arts-Regisseur Heo Myung-haeng, der mit „Badland Hunters“ den Spitzenplatz unter nicht-englischsprachigen Titeln in der weltweiten Wahrnehmung holte und bei „The Roundup: Punishment“ die Regie der Action leitete, ist eine der führenden Figuren in der koreanischen Actioninszenierung. Er entwarf die tödlichen Action-Choreografien, die sich wie eine Klammer durch Staffel 1 und 2 ziehen.  

Heo Myung-haengs Regiephilosophie entspringt Flexibilität. „Ich mag es nicht, wenn ich am Set wie ein Diktator herrsche. Wenn es Charisma gibt, dann müssen die Schauspieler auch Luft zum Atmen haben. Mein Team arbeitet gern so – und in einer unterdrückenden Umgebung kann kein gutes Werk entstehen“, sagte er. Dank dieser offenen Atmosphäre gaben Woo Do-hwan, Lee Sang-yi und Jung Ji-hun sich offenbar intuitiv wie Boxer, die wirklich auf einem Ring stehen, gegenseitig das richtige Timing und brachten damit die Lebendigkeit der Action weiter nach oben.  

Auch Regisseur Kim Joo-hwan betonte, dass bei der Kreation von Action mit schnellem Tempo vor allem der „Punching Impact“ (Powerful hits) entscheidend sei: „Die Action in dieser Serie ist mindestens fünfmal intensiver als im Vorgänger ‚Midnight Runners‘“, zeigte er sich selbstbewusst.  

Die präzise Grenze zwischen echtem Boxen und filmischer Überhöhung

Boxfans in der internationalen Reddit-Community feierten die Action-Sequenzen von „Bloodhounds“ und verglichen sie mit berühmten Boxing-Filmen im Westen. Ein Nutzer nannte die Creed-Serie mit 〈Creed〉 von Hollywood und meinte: „Im echten Boxkampf ist der Jab (Jab) ein Muss – aber im Film werden die Punches nur mit spektakulären Hooks ausgetauscht. Der echte Kampf ist viel zu schnell und zu eintönig, als dass man ihn natürlich in einen Film übertragen könnte“, und wies damit auf die Grenzen filmischer Übertreibung hin.  

„Bloodhounds“ umgeht dieses Dilemma, indem es die Kämpfe als Einstellung „Straßen- Rauferei“ auslegt. Kämpfe in engen Gängen, in verlassenen Gebäuden und auf Straßen finden ohne Regeln statt. Die Protagonisten können nicht wie Helden alle Angriffe ausweichen. Sie prallen immer wieder auf Messer-Schwinger und Gauner, werden unzählige Male ins Gesicht getroffen, bluten und humpeln schließlich mit verletzten Beinen. Ohne die Protagonisten als Superhuman zu zeichnen – einfach Menschen, die bei einem Treffer genauso schmerzhaft reagieren – wirkt diese hartnäckige Inszenierung wie ein Motor: Sie zwingt die Zuschauer, in jeder einzelnen Action-Szene den Atem anzuhalten und vollständig einzutauchen.  

Dafür kochte Woo Do-hwan sich am Tag vier Mahlzeiten selbst, nahm vor und nach den Dreharbeiten durch intensives Training 10 kg zu. Lee Sang-yi, der die Rolle des Linkshänders (Southpaw) übernahm, hielt eine harte Diät aus – nur brauner Reis, Hähnchenbrust, Sriracha-Soße und zuckerfreie kohlensäurehaltige Getränke. „In meinem Leben war ich noch nie so fleißig im Fitnessstudio. Ich hatte wirklich das Gefühl, ein echter Sportler geworden zu sein“, erinnerte er sich. Der Schweiß, der ganz unverfälscht jenseits des Screens zu sehen ist, hat nie gelogen.  

6. Die Tragödie der Realität reißt das Drehbuch auseinander: Der Fall Kim Sae-ron und die zweite Ebene der zerbrochenen Erzählung

In der perfekten Oberfläche der Erzählung, die wir im Bild bewundern, liegt eine zutiefst traurige Realität verborgen: eine Tragödie, die die Kreativen in Verzweiflung trieb und am Ende sogar das Leben einer Berühmtheit auslöschte. Die Wellen, die sich rund um Kim Sae-ron (in der Rolle Cha Hyeon-ju) auftaten, als sie in Staffel 1 die Hauptrolle spielte, sind ein Kapitel, das man keinesfalls auslassen kann.

Der Alptraum einer kompletten Drehbuchüberarbeitung

Im Mai 2022, als die Dreharbeiten zu Staffel 1 gerade in die zweite Hälfte hineinliefen, verursachte die Hauptdarstellerin Kim Sae-ron in Gangnam, Seoul, einen schweren Unfall: Sie fuhr betrunken Auto, prallte mit dem Wagen gegen einen Transformator und kappte damit den Strom für den ganzen Bereich. In der Serie war Cha Hyeon-ju eine Schlüsselfigur, die als Teil eines Trios mit Gun-woo und Woo-jin die zweite Hälfte der Story führen sollte.  

Regisseur Kim Joo-hwan geriet in ein tiefes Dilemma. Das Set war bereits abgebaut; es war unmöglich, ihre Szenen komplett zu löschen und alles von vorn neu zu drehen – aus Budget- und Zeitgründen. Schließlich entschieden sich die Produzenten für eine drastische Lösung: So viel wie möglich der ersten sechs Episoden, in denen sie auftritt, sollten durch Schnittmaßnahmen herausgetrennt werden, und die Drehbücher für die verbleibenden Folgen 7 und 8 mussten innerhalb genau eines Monats komplett neu geschrieben werden.  

„Ich startete mit dem großen Traum, ein K-Action-Drama zu machen, das Korea repräsentiert. Aber nach dem Vorfall mussten wir die Folgen 7 und 8 so wiederaufbauen, als wären es ein neuer Film mit komplett neuer Erzählstruktur. Das Überarbeiten des Drehbuchs, das Anpassen des Zusammenspiels mit den Schauspielern und das Weiterführen der Dreharbeiten – für mich, für die Schauspieler und für alle Crewmitglieder war das eine grausam schmerzhafte (agonizing) Zeit.“  

Diese mühsame, tränenreiche „Stopf-Work“-Arbeit ließ klare Wunden im Werk zurück. Internationale Zuschauer erkannten den Zusammenbruch der Plausibilität im späten Teil der Handlung scharf. Nutzer von Mydramalist und Reddit kritisierten: „Die Hauptfigur Hyun-ju, die von Rachegedanken brennt, erwähnt plötzlich einen Rückzugsplan und verschwindet ins Ausland, bevor sie überhaupt die Leute ihres Gegners zur Strecke bringt – das widerspricht völlig der Essenz der Figur und ergibt überhaupt keinen Sinn.“ Außerdem wurde bemängelt, dass von der späten Hälfte von Staffel 1 bis in Staffel 2 Nebenfiguren aus der Iil-group (Iil group) „magisch“ ihre Persönlichkeit änderten und plötzlich wie blindgläubige Moralapostel wirkten – eine Erscheinung, die als fataler Nebeneffekt der überstürzt durchgeführten Drehbuchänderungen gilt.  

Hexenjagd, die mit dem Tod endet: „Kulturelle Hinrichtung“

Nach dem Unfall war die Entwicklung außerhalb des Dramas noch grausamer. Die Selbstdisziplin der Öffentlichkeit konnte inmitten öffentlicher Anfeindungen und einem Dauerbombardement der Presse niemals ruhig verlaufen. Falsche Erklärungen rund um ihren Job in einem Café, Zweifel an der Aufrichtigkeit der finanziellen Notlage aufgrund der Berufung durch eine große Kanzlei und Berichte, dass sie ein Hold’em-Pub in Gangnam besucht – ihr gesamtes Privatleben wurde von Internet-Lynchern und Hasskommentatoren in Echtzeit seziert und verspottet.  

Am Ende wurde Kim Sae-ron am 16. Februar 2025 in ihrem Haus in Seongdong-gu, Seoul, im Alter von 24 Jahren tot aufgefunden. Es war ein einsames und tragisches Ende für die geniale Kinddarstellerin, die bereits im Alter von neun Jahren mit „A Gentleman’s Guide to Love and ..."