En febrero de 2026, el invierno en Seúl es especialmente frío y seco. Al abrir la puerta de Perrotin Seúl, nos encontramos con una enorme pared de silencio. Esa pared es negra. Pero no es simplemente negra. Es una estratificación del tiempo creada por miles y miles de movimientos de manos, y es el rastro de una lucha desesperada que ocurre en el proceso de reducción del lenguaje a materia. En septiembre de 2025, el maestro del arte experimental coreano Choi Byung-so falleció a la edad de 82 años. Esta exposición, que se lleva a cabo cuatro meses después de su muerte, 《Sin Título》 (20 de enero de 2026 - 7 de marzo de 2026), va más allá de ser una simple retrospectiva. Es un majestuoso réquiem que demuestra cómo la estética del 'borrado' que un artista ha practicado durante toda su vida puede silenciar el ruido de la época y alcanzar la esencia del arte, y más allá, la raíz de la existencia humana.
El arte de Choi Byung-so está entrelazado con la particularidad de la historia contemporánea de Corea desde la elección de los materiales. En la década de 1970, el lienzo y la pintura al óleo eran un lujo para un joven artista pobre. En su lugar, se centró en los materiales más comunes a nuestro alrededor, es decir, el papel de periódico y un bolígrafo barato. En particular, el 'bolígrafo Monami 153', que utilizó toda su vida, es un instrumento de escritura que ha estado con los coreanos desde su producción en 1963. El artista realizó un intento subversivo de producir un valor noble llamado 'arte' utilizando esta herramienta tan popular y económica.
El 'papel de periódico' o 'papel de galga' que sirve de base para su trabajo simboliza la precaria tecnología de papel durante el período de reconstrucción después de la década de 1950. El papel de galga, con su superficie áspera y color amarillento, tiene una débil propiedad material que se rasga y se desgarra fácilmente solo con escribir. Los recuerdos de este papel de galga, que se usó como libro de texto en su infancia, se convirtieron en una profunda trauma y fuente de inspiración para el artista. Él sublimó el punto límite físico en el que el papel se rasga, es decir, el estado justo antes de que la materia colapse, en un lenguaje artístico.
El proceso de trabajo de Choi Byung-so requiere un arduo trabajo físico. Primero, dibuja líneas con un bolígrafo sobre el papel de periódico. Dibuja y dibuja hasta que el texto no sea visible. La tinta del bolígrafo se filtra entre las fibras del papel, y el calor por fricción hace que el papel se vuelva más delgado y se rasgue en algunos lugares. Luego, aplica grafito de un lápiz 4B sobre eso.
A través de este proceso, el papel de periódico se transforma en una superficie metálica que retiene el brillo del grafito. Las grandes obras que llenan las salas de exhibición de Perrotin Seúl en los pisos 1 y 2 muestran una textura similar a la de una placa de acero negro o cuero viejo. Esta es una tercera materia que nace de la combinación química de tinta, grafito y el sudor del artista. La fragilidad del papel desaparece, y solo queda la sólida materialidad como resultado del trabajo. Aquí, el espectador experimenta una abrumadora densidad visual y sublimidad.
Para entender las raíces artísticas de Choi Byung-so, es necesario examinar de cerca el contexto espacio-temporal de 'Daegu' en la década de 1970. En ese momento, Daegu era un centro de arte experimental que se oponía al sistema de exposiciones nacionales centrado en Seúl y a la atmósfera conservadora del mundo del arte. Choi Byung-so fue miembro fundador y figura clave del primer festival de arte contemporáneo de Corea, 《Festival de Arte Contemporáneo de Daegu》, fundado en 1974.
En 1975, formó el grupo de arte de vanguardia '35/128' junto con Kang Ho-eun, Kim Gi-dong, Lee Myung-mi, entre otros, que significa la latitud (35 grados) y longitud (128 grados) de Daegu. Este grupo lideró experimentos conceptuales que desafiaban la autoridad y el formalismo del mundo del arte existente, afirmando que "puede ser arte sin dibujar". Durante este período, Choi Byung-so estuvo en la vanguardia del arte de vanguardia coreano, navegando a través de diversos medios como video, instalación y happening. Este fue un proceso de construcción de la singularidad del arte experimental coreano, diferenciándose del minimalismo occidental y del Mono-ha japonés, formado en la interacción con artistas de arte experimental de la época como Kim Ku-rim, Lee Kang-soo y Park Hyun-ki.
A mediados de la década de 1970, el momento decisivo que llevó a Choi Byung-so a comenzar a trabajar con papel de periódico no es ajeno a la sombría situación política de la época. Bajo el régimen dictatorial de Yushin, los medios estaban completamente controlados, y los periódicos solo publicaban verdades censuradas. En una época en la que la función de los medios estaba paralizada, el periódico no era un medio de transmisión de información, sino solo un compendio de textos engañosos.
Choi Byung-so
Para Choi Byung-so, que en ese momento era un joven de 30 años, el acto de aplastar y borrar los artículos del periódico con un bolígrafo era una expresión de ira contra las palabras reprimidas, y una resistencia pasiva pero poderosa que negaba los caracteres falsos. Algunos críticos interpretan esto como una "resistencia a la represión de los medios". Sin embargo, el artista más tarde amplió esto a una dimensión de "autodisciplina" que va más allá de un acto político. Su declaración de que "no se trata de borrar el periódico, sino de borrarme a mí mismo" muestra que sumergió el dolor de la época en su interior y lo sublimó en una práctica artística.
Estas actividades iniciales de Choi Byung-so fueron relativamente menos notadas durante mucho tiempo debido a la ola de Dansaekhwa (pintura monocromática). Sin embargo, la exposición 《Arte Experimental Coreano 1960-70 (Only the Young: Experimental Art in Korea, 1960s–1970s)》, coorganizada por el Museo Nacional de Arte Moderno y el Museo Solomon R. Guggenheim en 2023, se convirtió en un momento decisivo para reposicionar a Choi Byung-so como un artista clave del arte experimental coreano. Esta exposición dio a conocer en el escenario internacional que el trabajo de Choi Byung-so no es simplemente pintura plana, sino 'arte de acción conceptual' que nació en el contexto político y social cambiante de Corea. La presente exposición en Perrotin Seúl, siendo la primera exposición individual después de esta reevaluación internacional y la primera exposición desde su fallecimiento, será un momento importante para consolidar su estatus en la historia del arte.
Un punto que merece especial atención en esta exposición de Perrotin es que el artista presentó una gran cantidad de trabajos en los que intencionalmente dejó ciertas partes o formas, además de su método habitual de borrar completamente la superficie del periódico. Esto sugiere que el acto de 'borrar' del artista no es una destrucción aleatoria, sino una elección formal altamente calculada y una pregunta filosófica.
Algunas de las obras expuestas no borraron la parte superior del periódico, es decir, el encabezado (Título), la fecha y el número de edición. Aunque el artículo del cuerpo inferior está completamente oculto con tinta negra y grafito, la fecha y el encabezado en la parte superior permanecen claramente visibles.
Esta composición ancla la obra en un tiempo y espacio concretos.
Especificidad: Si el periódico completamente borrado es una 'materia' abstracta, el periódico con la fecha dejada se convierte en una evidencia concreta de la historia '19xx año x mes x día'.
Evocación de la memoria: El espectador, al ver la fecha dejada, recuerda los eventos de ese día o recuerdos personales. Sin embargo, el contenido del artículo que podría validar esos recuerdos ha sido borrado. La tensión entre la memoria (lo que queda) y el olvido (la desaparición) maximiza el drama de la obra.
Esto se acerca más a la afirmación existencial de que "todo desaparece" que a un nihilismo, sino a la afirmación de que "sin embargo, el tiempo se registra".
En esta exposición también se presentan trabajos que dejan formas como círculos. El espacio circular intencionalmente vacío en medio de la acción de trazar líneas densas proporciona un respiro en la pantalla negra.
Ritmo formal: En la repetición obsesiva de líneas que cruzan vertical y horizontalmente, la curva orgánica del círculo proporciona un descanso visual.
Significado simbólico: El círculo puede evocar el 'Ilwonsang' del budismo, simbolizar la luna o el universo. O puede interpretarse como una ventana que mira hacia un mundo cerrado (el periódico pintado de negro).
Presencia de la ausencia: El espacio dejado sin borrar es un dispositivo paradójico que enfatiza aún más el acto de 'borrar'. Si la parte pintada es el 'resultado de la acción', la parte dejada revela la propiedad material original del papel a través de la 'ausencia de la acción'.
El artista también ha trabajado recortando páginas de revistas famosas como The New York Times, TIME y LIFE. Aquí, también, optó por no borrar las palabras 'TIME' o 'LIFE'.
Esto es una característica y una visión únicas de Choi Byung-so, que transforma los encabezados estereotipados de los medios en preguntas filosóficas fundamentales sobre la existencia humana. Al borrar la inundación de información (el contenido de la revista TIME/LIFE), paradójicamente está cuestionando el verdadero significado de 'tiempo' y 'vida' que hemos perdido.
La obra más rara y sorprendente de esta exposición es la 'obra blanca' 〈Sin Título 0241029〉(2024). Mientras que las obras anteriores llenaban la pantalla con tinta negra y grafito (Relleno), esta obra fue realizada con un bolígrafo vacío (Empty Pen) que se quedó sin tinta.
El artista trazó y trazó sobre el papel de periódico con un bolígrafo que no tenía tinta. Aunque hay miles de actos de trazar, el color resultante no existe. Lo que queda en la pantalla son las marcas presionadas (Trace) creadas por la punta del bolígrafo, las heridas (Scar) del papel desgastado y rasgado, y pequeñas irregularidades.
Esto es un estado en el que incluso el acto de 'borrar' ha sido borrado, o se ha castrado el 'pigmento', que es la condición mínima de la pintura. Esta obra blanca, en la que solo quedan la acción pura y la transformación física resultante, puede considerarse como la estación final del arte de Choi Byung-so. Al eliminar el elemento visual del color, el espectador puede concentrarse completamente en la textura del papel y el reflejo de la luz. Esta es la cristalización visual del mundo del 'vacío' que ha perseguido toda su vida.
El mundo de trabajo de Choi Byung-so está profundamente conectado con el pensamiento fenomenológico de Maurice Merleau-Ponty, en el que estaba inmerso. En 1998, tomó prestado el título de la obra de Ponty, 『Sentido y sin sentido (Sens et Non-Sens)』 como título de su obra.
Así como Ponty criticó la lógica centrada en la razón y enfatizó la importancia de la percepción corporal, Choi Byung-so desmanteló el mundo lógico del periódico dominado por el lenguaje (Logos) a través de un acto no lógico de trabajo físico (trazar con bolígrafo). Su trabajo de objeto, donde rasgó y desgastó físicamente el libro 『Sentido y sin sentido』, simboliza esta filosofía. Al dañar físicamente este repositorio de conocimiento, degrada el significado textual contenido en él a la insignificancia (materia), al mismo tiempo que genera un nuevo significado artístico a través del acto mismo, en un proceso dialéctico.
En 2026, vivimos en una era en la que la IA generativa produce texto e imágenes sin cesar, y las noticias falsas y la sobrecarga de información se han convertido en parte de la vida cotidiana. Toda la información se convierte en código digital y se consume y desaparece a la velocidad de la luz. En este punto, los papeles rasgados y agujereados que dejó el fallecido Choi Byung-so nos plantean preguntas profundas.
Las obras colgadas en la sala de exposiciones de Perrotin Seúl son, paradójicamente, el más poderoso 'testimonio de la materia'. A diferencia de las ilusiones ocultas tras la superficie lisa de una pantalla digital, la pantalla de Choi Byung-so es áspera, herida y una realidad tangible.
Choi Byung-so se ha ido, pero las huellas que dejó al trazar y borrar ahora permanecen como un 'presente' eterno. Su 'TIME' en las obras se ha detenido, pero la pregunta de 'LIFE' que dejó no ha terminado. Esta exposición 《Sin Título》 no es un punto final que cierra la vida de un artista, sino un bucle que conecta el valor universal de su arte con la próxima generación.
En la sala de exposiciones con un tenue olor a tinta, frente al papel ennegrecido, finalmente escuchamos el sonido de un mundo sin ruido. Es el gran silencio que solo el arte puede ofrecer.
